Rodrigo Canete: Para ir al grano, lo que me interesa, fundamentalmente de tu obra es la relacion entre realismo y memoria, la que es particularmente problematica en la Argentina. Yo creo que tu obra dice cosas que tu audiencia rechazo ver porque cruza una decada jodida de recordar. Tu obra retrata desde un punto de vista en el que tu mirada y la del espectador coinciden, la mirada de una clase media reaccionaria, que durante los 70s miraba a otro lado. Despues tu vision del mundo cool y fashion, que tambien encarnaste, represento la reaccion menemista que fue aun mas escape y que tapo ese mirar hacia otro lado pero que como todos sabemos genero una culpa no procesada ni digerida que como pais no sabemos como manejar. Tu obra en su obsesion por la superficie pictorica refleja una precariedad casi cosmetica que tapa de manera muy inestable una culpa que sube y sube, diria yo, como el vomito. En otras palabras, yo creo que tu arte es muy serio y de alguna forma la recepcion de el (en gran parte por culpa tuya) le quito seriedad. Me interesa, sin embargo, reinsertarlo en la tradiccion de la neo-figuracion iniciada por Yuyo Noe y seguida por Guillermo Kuitca. vos sos el heredero de esa tradicion y es eso lo que tenes que apropiar casi con violencia es una tradicion que empieza con Candido Lopez (no se si me explico) los pintores que mostraron las grietas en el espejo social argentino

 

Diego Gravinese: 

Qué genial lo que decís Rodrigo. En su momento lo creí así, pero vos sabés que nos soy un intelectual. Yo ahora estoy en otro proceso, donde quiero hacer una obra más universal. Si no me calenté en defender ese aspecto de mi obra en su momento fue porque sentía que más allá de mi malestar con  el mundo, (o Argentina mas especificamente ), podía aspirar a un arte de transformación. No a una ilustración semi cínica de lo perdidos que estamos sobre esta bola celeste..

 

RC: 

Y alli esta tu lugar en la Historia del Arte argentino sino te superficializabas el mercado de los 90 iba a borrarte como se borra a la memoria. Creo que tu obra muestra la confusion pero tambien la habilidad para sobrevivir de nuestra generacion en todas sus paradoja.

 

Diego Gravinese, Proof (1995) 

DG: Superficializarme, como vos decis, fue una manera flotar formalmente en la marea caotica y contradictoria que fue el final de los 90 y el principio de mis 30, mientras me daba cuenta que el posmodernismo era solo una forma más de poesía seductora. Yo ahora estoy en un momento interno muy distinto. Creo que en cada persona hay, al menos, un atisbo de divinidad que puede conectar con arquetipos y simbolos muy profundos.El hilo conector siguió siendo el aspecto realista de la obra. Y por eso está bueno que hablemos de eso.

RC: El primer momento de fragmentation de tu obra esta en tus multiples estilos al principio. La unica obra tuya que tengo en mi coleccion es ‘Proof’ (1995) es referencia pura a David Salle. Tus Madonnas (1994) son pop puro pero despues vinieron las fotos Cosmos (1997) que trajeron un retro-cool que en realidad mostraba el dolor politico e individual de nuestra generacion. Ahora tus pinturas son registros instantaneos pero sin pose. Es como aferrarse a la sensacion real del momento.

 

David Salle 

DG: Toda esa lectura es muy exacta. Mi desilusión más grande fue justamente desnudar la imagen de yuxtaposiciones y buscar la transcripcion minuciosa de fragmentos de momentos ( en apariencia ) irrelevantes. Al hacerlo sentí el vacío de ver que esa reconstrucción punto por punto no hacía más que llevar al espectador de vuelta a la idea ilusoria de “realidad”. Esa fe ciega que tenemos en la imagen fotografica. Algo que gracias al Photoshop empieza a cuestionarse, finalmente. Pero que NUNCA fue “la realidad”. ( Solo una maquina que reproduce nuestra percepción de este oceanos de ondas electromagenticas que miramos por una hendija llamada “Luz visible”). Esa, exageradamente lo digo, desilusion, me llevó a querer entender qué es la imagen. Qué es esta percepción particular de la existencia que nos es dada a traves de la vista?


Qué es lo real? etc. Preguntas que antes no me hacía porque todo eso era material “al servicio de”: o sea, si yo pintaba a mi padre en los 70’s buscaba, como en una película llevar al espectador a esa situación particular a traves de la trascripcion de diapos de epoca, con su descoloramiento y todo.Ahora ya no me interesa reproducir la foto (aunque el cuadro que publico en proceso no es mas que eso. Pero es un encargo y no me representa 100% ) 

 

RC: Quiere decir que la hiperrealidad del snapshot, en tu obra, llego al instante y se agoto ante la falta de interaccion entre vos y el espectador. Digamos, que el cuadro hiperrealista comunica en su abstraccion no en su figuracion. La figuracion es obvia, lo que no es obvio es lo que el artista incluye. Por ejemplo, en tu caso el color. Proof (1995) es anaranjado. La serie que yo llamo ‘del Planetario’ (1997) es mas bien verde y asi te vas apagando hasta llegar a las ultimas que abrazan una estetica Jurgen Teller (2012) pero el color es frio…casi azulado. Es como que tu obra tiene que ser entendida atraves de lo que no dice explicitamente…atraves de la abstraccion del color. Yo creo que en ese sentido tu arte es muy expresivo y hasta, diria, melancolico. Claro esta que ese estilo es un callejon sin salida pero no por lo pobre sino por lo emocionalmente exigente. 

 

 

DG: Es que siempre me interesó la abstracción, creo que la trama de fondo de la existecnia es abstracta. Me encanta que Richter sea no solo un gran pintor por momentos muy hiperrealista, sino tambien uno de los mejores pintores abstractos al mismo tiempo. Hay pintores hiperrealistas donde la trama abstracta es muy evidente, como por ejemplo RIchard Estes. Es impecable, preciso y cerebral. Pero claro, se hace evidente la abstracción por la frialdad emocional de lo representado. Yo quise ver si se esa trama subyacente de la realidad se podía hacer evidente en imágenes más narrativas, buscando para eso que la narrativa no fuera tan obvia. Quería algo que me atrajera emocionalmente hasta el punto de involucrarme con la escena pero que me dejara el espacio mental para sumergirme en los aspcetos mas propiamente plasticos de la pintura. (Que, hay que decirlo, es el eje de todo esto: quiero pintar. Pienso seguir haciendo cuadros, creo que la pintura es infinita y se puede reinventar todo el tiempo.)

 

Richard Estes 

 


El cambio más fuerte en el color tuvo que ver con el cambio a la fotrografia digital. Y hago un parentesis acá para contarte de eso: Antes yo usaba la diapo como original y como referencia al pintar (apagabab todo y usbaaa la proyeccion de la diapo como modelo, iluminaod la zona donde trabajaba apenas, de manera de poder ver bien la proyeccion. Esto me daba colores mas calidos y otros más desleidos, propios de las diapos familaires viejas. Lo cual le daba una enorme carga nostalgiosa a veces. Pero sobre todo, hay algo del color en la diapo proyectada que es que al mirarla de cerca los colores son transparentes. Casi trabajaba como un acuarelista.

 

Al pasar a la foto digital, solo proyecto la imagen original, pero luego trabajo con copias papel o con el monitor de una laptop como referencia, y a plena luz en el taller. Ahi los colores se volvieron muy brillantes. Mas duros, mas saturados). Como vos decís, eso parecía un callejón cerrado al final. Porque la verdad es que la narrativa siguió siempre estando ahí y se terminaba llevando la obra. Me acuerdo que yo decía:” el hiperrealismo es solo un color más en mi tela.”


Como diciendo: es el cartel de neón fuera del teatro que te invita a pasar ( esa parte con la que cualquiera se puede relacionar, porque pertenece a un mundo de codigos que todos entendemos). Y confiaba en que quien pudira entrar se iba a encontrar con la obra en si. 
Algo que flotaba detrás de la superficie de la tela. Y, con suerte, quizá hasta pasara del otro lado. Pero con las pinturas mas “hiperrealistas” de 2008-9 lo que pasaba era que al contrario, se hacía más dificil traspasar la tela.


En ese sentido la pintura abstracta la tiene mucho más facil: se ahrorra todo el laberinto figurativo y va al punto. Pero hay un riesgo en eso y es que puede pasar eso que hace el Lacanismo con el analisis a veces: corta toda sensiblería y te lleva de cabeza a la cosa misma. Y eso puede estar buenísimo o ser una pesadilla deprimente. En el mejor de los casos nos pone contemplativos por un momento. Pero lo que descubrí es que callejón no estaba cerrado. En este ultimo año me despreocupé de esta lectura semi-intelectual abstraccion-hiperfiguración. Creo que el arte tiene abrir otros “túbulos” mentales, espirituales, canales, conectar a otros niveles. Me estaba quedando yo mismo en la superficie y no me estaba dando cuenta. Así que decidí encarar la figuración desde otro lugar, desde, justamente, su lado más narrativo. Y en eso estoy. 
Y por “narrativo”, me refiero al lado más evocativo y mágico. Esa abstracción que me atraía, entendí que no era solo una malla, una trama fria, un divertimento intelectual. Me di cuenta, que lo que subyace es maravilloso, esta vivo y late. Una primer punta del iceberg de lo que esta apareciendo en las imagenes nuevas es “La Duración de las Promesas”, donde enormes cristales de cuarzo surgen de las paredes y la cama, mientras una pareja hace el amor, en lo que de otra manera sería una imagen común y corriente de intimidad amorosa.

 

Diego Gravinese, La Duracion de las Promesas (2013) 

 

RC: Estoy totalmente de acuerdo con lo que decis y de alguna forma es testimonio de lo que venimos discutiendo. Quiero decir…de que ‘el realismo puede ser utilizado de una manera alternativa al snapshot y al simbolismo en lo que podriamos llamar una suerte de naturalizacion de cosas que son esenciales pero invisibles’. Esto es algo que la modernidad se trago entera pero que en la pintura espanola aparece por todos lados. Fijate la siguiente imagen en relacion al simbolo del ojo del conocimiento (que deviene de un jeroglifico egipcio encontrado en el siglo XIV) y mediante el cual Antonio Moro (artista de camara de Felipe II de Espana) transforma el cuerpo naturalista del rey en un emblema (que representaba, al momento, lo esencial). Esto es lo que hace Caravaggio en su Cena en Emaus cuando el hombre reacciona frente a Cristo abriendo sus brazos abriendo sus brazos y transformandose en la cruz. Esto habla de una madurez pictorica a la que llegaste y que me parece tenes que aceptar. Artisticamente estas llegando al nivel de… maestro. Ahora hay que hacerse cargo de eso y me da la impresion que vos (en pleno estilo de nuestra generacion en Argentina ) tenes una gran dificultad para tomarte en serio.

 

Moro/ Felipe II 

 

Emblema del Ojo Omnisciente

 

DG: Bueno, eso es un gran halago y un palo al mismo tiempo. La verdad es que no sé si no me tomé en serio, o si una cuestión generacional tuvo que ver con tu percepción de mí (aunque entiendo tu punto). De hecho me tomé bastante en serio a mis 20s., pero es verdad, era anti-artistico adoptar esa postura en esas épocas, y creo que suscribí a esa idea que flotaba en el aire. Nadie quería ir muy en profundidad en esos años. Yo, personalmente lo detestaba esa liviandad. No me divertía en absoluto. 


Pero tampoco entendía cuál podía ser el verdadero valor del arte. Sabía que había algo poderoso, pero simplemente no lo veía, o lo veía asomar aquí y allá entre chistes conceptualistas. Se intuía, pero no se podía nombrar. Era una paja intelectual. Eso fue lo que me desanimó. Pero estamos de acuerdo: el arte habla de maneras contundentes cuando el alma del artista esta en sintonía con su espiritu y su razón. Por eso me aparté y me dediqué a explorar y a unir aspectos míos que siempre tuvieron vías separadas. Por una lado estaba “lo espiritual” que mi lado más intelectual miraba con cierto desdén; por otro el aspecto “conceptual” ( que en mí siempre tuvo que ver más con el lado formal de la obra, compositivo si se quiere. ) y por otro la búsqueda de sentido. Yo entendía lo que llamamos “el silencio de Duchamp” pero el ímpulso pictórico estaba en mí, como lo estuvo siempre, y estaba seguro que no había muerto. Así que hice lo contrario de lo que se suponía había que hacer, especialmente en BsAs: pinté fotograficamente con el mayor peso que podía permitirme. Yo buscaba una forma coherente con la época que me permitiera colar algo de ese poder de la pintura en una tela de aspecto algo más ligero. Creo que a eso te referís. O me equivoco?

 

Dicho sea de paso…increíble ese retrato de Felipe por Moro, y entiendo tu asociación con el All Seeing Eye. Habla de un ojo muy fino de tu parte

 

RC: Gracias. Respecto de tu supuesta ‘falta de seriedad’ vos hiciste lo que tenias que hacer. Negociar un lugar sin perder tu eje en un contexto social muy dificil en donde el tipo de paradoja que vos abrazas es visto con desconfianza. Desde la decada del 90 al artista se lo trata de domesticar. O sos esto o sos eso pero no las dos cosas. Igualmente para compensar cualquier palo debo decirte que yo tengo una relacion casi fisica con (tu obra) ‘Proof’. Es una obra que me vio llorar, me acompano a traves de perdidas y alegrias. Es mas, hablo de esto, y viene lagrimas a los ojos. Tu obra en su tematizacion de la memoria encarna la memoria a nivel del cuerpo. Es quiza la unica obra que dificilmente vendere en mi vida. La llevo adentro mio y eso no solo tiene que ver tu manejo tecnico sino con tu articulacion del arte y la vida en un nivel que haces que el arte conecte. Eso es ARTE. 

 

DG: Ahh qué genial escuchar eso Rodrigo! Me emociona y la verdad es que salvo en estos ultimos años, en los que he tratado personalmente con los coleccionistas y se han generado vinculos muy hermosos, no tenía ese tipo de feedback en aquellos tiempos. Aunque debo reconocer que Ruth misma tenía ese espiritu conmigo, y algun que otro coleccionista muy en privado. 
Gracias por hacermelo saber.

 

Venía rechazando entrevistas desde enero.

 

RC: Gracias por la oportunidad. Tu obra tiene un lugar clave en mi vida que no tiene que ver con vos sino con tus imagenes y finalmente puedo entender por que. El problema argentino en materia de arte no es un problema de produccion necesariamente sino de recepcion. Como vos bien dijiste la ultima persona que penso en educar coleccionistas y espectadores fue Ruth Benzacar. Ella me convirtio al arte. Me dijo: ‘Veni veni..contame que te apasiona’. Me cambio la vida y desde algun lugar cuando estaba solo y hecho mierda el ano pasado, desde alguna estrella me la salvo tambien.

 

 
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