Rodrigo Cañete: Por lo general, no me interesa demasiado la vida de los artistas porque creo que se se pone demasiado enfasis en la relacion entre obra y vida pero no puedo evitar preguntarte sobre tu vida. Resumime tu vida en un párrafo’. Esta pregunta esta directamente relacionada con Hamlet, por supuesto.

Imagen

Fernando Gomez (AVILA): Me lo imaginaba, y lo comprendo… “Who the fuck is Avila?” Es una pregunta que todavia la estoy intentando resolver. Debido a la brevedad de un parrafo (y no un libro) he de ser justo con mi vida y debo incitar a la imaginacion del que lee estas palabras: Naci en Madrid y me llevaron a Barcelona. A los 21, Espanya me dijo que ally no pintaba nada y me fui a Arkansas donde aprendi ingles en la cocina de un restaurante donde trabaje para “Los Clinton” cuando no los conocia nadie. Asi me hize ingeniero mecanico de casas, jacuzzies y aviones, pintando en una sauna con mosquitos durante unos 20 anyos, experiencia que me sirvio para trazar el mapa geografico de Las Islas Cayman. Despues me fui a vivir a una reserva india entre Taos y Santa Fe, cerca del Laboratorio Nacional De Los Alamos donde no me dejaron hacer ninguna bomba atomica y no pinte casi nada. Siete anyos despues de vivir en uno de los estados mas corruptos del Universo, regrese a La Pequenya Roca y habri una galeria de arte (The Edge) con los siete desconocidos manificos donde soy el duenyo. Tras unos 30 anyos de no escribir en castellano descubri tu blog y aqui estoy, para servir a Dios y a ustedes, intentando no caer en la venganza…

RC: Yo ya sé que sos un hombre de una mente sofisticada.Tu sentido del humor es sintetico y clinico, al mismo tiempo. Poca gente me saca una sonrisa como vos. Sin embargo, tu pintura, aun cuando trata de ser humoristica, es profundamente espiritual al borde de lo tragico. Que te parece lo que digo?

Imagen

FG: El humor es el unico recurso que tienen los humanos para mantener la perspectiva en este mundo (las pastillas para dormir lo anulan en gran manera) y yo lo utilizo cuando trabajo porque normalmente crear una pintura requiere de un gran esfuezo. En la tragedia, el heroe es destruido por decisiones personales en circunstancias adversas con la esporadica companyia del humor, con el fin de proporcionar satisfaccion en el publico (paradoja y catarsis). Como artista, yo he decidido (con la ayuda de Zeus) que existen una serie de tabus a los que otros no quieren referirse. El objetivo principal de mis cuadros (con alguna excepcion) es la transmision de conceptos. En mis pinturas intento que la casualidad no exista. El que las mira esta expuesto desde el primer momento a ser abofeteado espiritualmente y respetuosamente, y la razon es porque considero importante el hecho de que el espectador no tenga por que ser un imbecil (no es por puro masoquismo). Por lo general, los cuadros tienen diferente niveles de atraccion, y segun la voluntad (o el gusto) de el que las ve, el abofeteo espiritual puede ser mas o menos continuo. Para que la tragedia sea tal, tiene que existir un lado poetico, que es lo que ayuda a pasar de la oscuridad a la lucidez del entendimiento. Tambien tiene que existir un componente de inevitabilidad, y por eso cuando pinto, quien es sacrificado soy yo, porque es la unica manera de que la pintura tenga algun sentido y el que la vea obtenga el placer de comprender el determinado cuadro… Por otro lado, no veo nada mal el pintar algo mas sencillo y menos complicado, solo que hay otros artistas que lo pueden hacer mejor…

RC: Es interesante porque no habia asociado al humor con la tragedia sino con la comedia. Y lo que vos ves como ‘humor’ en la tragedia es lo paradojico de lo que Aristoteles llama ‘peripateia’ o ‘momento embarazado’ en el que la historia cambia y el heroe crece. El tema es que ese heroe es tragico y lo hace sin humor. Alec Oxenford es un heroe tragico (en caso que creciera). Ahora bien, creo que esta confusion entre comedia y tragedia se puede ver en tu obra ya que vos transformas a la ‘peripateia’ del heroe en una paradoja que es mas cercana a la ironia que a otra cosa. En otras palabras, te sacrificas pero solo para reirte vos del espectador?

Imagen

FG: No. Vamos por partes… Segun Aristoteles, el objetivo de la tragedia como funcion artistica es la catarsis y la purificacion: osea, canalizar de una forma teatral las emociones acumuladas bajo la presion social, predispuestas a explotar en cualquier momento; de este modo “la piedad y el miedo, afectan la adecuada purgacion de estas emociones”. Como bien dices, la peripateia caracteriza la obra teatral por la transformacion de situaciones, y aunque el heroe sea “tragico” y el desenlace no sea humoristico, ese mismo reverso de la situacion conlleva un cierto componente de ironia, puesto que la intención va más allá del significado más simple o evidente de las palabras o acciones. Por ejemplo, acostarse con su propia madre sin saberlo, es tragico, pero tambien ironico. En mi opinion, la unica forma de entender la ironia es atraves del sentido del humor que en mayor o menor medida tienen los individuos. Ahora bien, la diferencia entre la tragedia y la comedia es que el humor en esta ultima se utiliza como finalidad para entender la obra, mientras que en la tragedia el obetivo ironico es resaltar la transformacion del heroe en determinadas situaciones.

Imagen

Por lo general, mis cuadros no son comicos; pero tampoco son tragicos, aunque como tu bien has dicho antes, muchos rozan la tragedia. Creeme, yo utilizo el humor y la ironia con el unico objetivo de clarificar las ideas que intento expresar. Es una erramienta para sintetizar la realidad de la situacion, particularmente si esta es compleja. Para el ser humano (en mi humilde opinion) el humor y la ironia son esenciales para comprender el mundo que nos rodea, dandonos la perspectiva necesaria para perder el miedo, y saltar en un momento determinado a conquistar la logica de realidades aparentemente incomprensibles. Yo me sacrifico en mi pintura, no con el objetivo de reirme del espectador, sino como resultado de observar algo que me parece importante, y como reconocimiento al projimo por el solo hecho de existir, e intento mostrar todo aquello (lo bueno y lo malo) que me parece fascinante por su contrariedad. El objetivo es intentar comprender…

En cuanto a Alec Oxenford, bueno… Alec no es un heroe. Los heroes son los Argentinos que tienen que convivir con el sabiendo que es un egoista y los trata como imbeciles… La ironia en esta situacion, esta en aquellos que aun sabiendo esta realidad parecen acomodarse en su destino dejandolo una y otra vez acostarse con su pais en un incesto aparentemente interminable, donde la piedad y el miedo son hechos irrevocables. Ves… ya me he sacrificado otra vez… y todo aquel que intente decir la verdad hace lo mismo…

RC: Bueno pero él se ve como un heroe. Como un personaje superior…‘alto’. Digamos que vos intentas que tu obra genere un, como llamarlo…‘espacio de sentido’ en el que lo que importa no es el gustar o el no gustar sino crear el sentido. El tema es que jugarse a semejante operación puede hacer que tu obra sea descartada con un ‘No es mi estilo!’ en los cinco primeros segundos. Hay una suerte de auto-inmolación por una causa superior en tu arte?

Imagen

FG: Es respeto a uno mismo, y respeto al projimo. Enfrentandome a las tendencias modernas, yo entiendo que ir a ver una obra de arte a una galeria, o a un museo, no es como ir a tomar un cafe en el bar de la esquina. Yo respeto al individuo que se toma parte de su precioso tiempo y se dedica a ir a un lugar a buscar algo significativo para su vida, no como un entretenimiento (debido a las circunstancias actuales), sino como algo necesario y fructuoso; como algo importante. Para ello mis pinturas te preguntaran en primera instancia si tienes el suficiente valor para mirarlas y comprenderlas sin necesidad de que te gusten. En general, de entrada, no te invitaran a un viaje de exploracion, sino que primero el que las mira tiene que reconocer que el mismo es un individuo con conciencia y voluntad, dispuesto a casi todo (luego lo explicare mejor). Pero estas en lo cierto (y te agradezco tu ironia). Por lo general mis pinturas no son esteticamente muy atractivas y requieren de mucha luz para observarlas adecuadamente, en cuyo caso he notado inesparadas transformaciones (una de las razones entre otras muchas podria ser el uso “voluntario” de pintura industrial en mi obra). Por otro lado, cuando pinto, me dejo atraer por las ideas espresadas en los cuadros y no me importa nada (lo estetico) ni nadie (ni yo mismo) con tal de obtener un mensaje relevante y a mi juicio comprensible, aunque por lo general, una vez que esos conceptos son palpables, intento acomodar un cierto esteticismo para hacer la obra mas digerible con la intencion de preparar al espectador para ese cumulo de preguntas y respuestas que se produciran a lo largo de la observacion (aludiendo al abofeteo anterior) . Ahora bien, vallamos por partes, porque lo que dices es muy importante, sobre todo lo de “generosidad al borde de la inmolacion” y es unas de las razones por las que he llamado a mi galeria “El Filo, o El Limite” (por lo menos a mi entender)…

Imagen

Empezemos por lo que llamamos concepto o idea como ejemplo. Un individuo cuando mira una obra espera recibir algo a cambio, ya sea placer, aprender algo, verse reflejado, satisfaccion, etc.,etc., sino no la miraria. Existen corrientes artisticas como el conceptualismo (y he de decir que en historia del arte no soy un experto) donde se intenta despojar en la obra de todo, o casi todo lo “superficial” para llegar a la idea que el artista intenta transmitir con claridad. En mis pinturas, intento reflejar al maximo la transmision de ideas subceptibles a ser conflictivas por la secilla razon de que estoy hasta los guevos de que mucho artistas se limiten a ofrecer en su obra un mundo superficial sin admitir la posibilidad de que el ser humano ha evolucionado a lo largo de millones de anyos y su cerebro es capaz de entender mucho mas de lo que parece a primera vista. En otras palabras, mis pinturas son un reto al espectador, y eso es lo que puede inducir a un cierto rechazo. Yo lo comprendo, pero al mismo tiempo he de respetar mi esfuerzo y mi obra, y si este o esta me dice que es la unica manera de que me exprese con un cierto sentido y satisfaccion dadas las circunstancias, pues que asi sea, porque yo, para bien o para mal, tambien tengo mis limites, y no voy a pintar algo para perder el tiempo sabiendo que la sociedad puede ser muy caprichosa, y puede rechazar al mejor artista por la simple razon de que un cierto color no esta de moda.

Imagen

Volviendo al conceptualismo, cuando se produce el “entendimiento” de una determinada imagen o vision, se produce al mismo tiempo un equilibrio. Todo objeto visual tiene que ser interpretado de alguna manera por el individuo que lo mira, existiendo un balance entre lo que el objeto visual ofrece y lo que el individuo entiende o puede lograr entender. Yo utilizo mi galeria como una especie de laboratorio donde expongo mis pinturas que han pasado un extricto control de “significancia” a traves de uno 30 anyos. En muchas de mis pinturas hay dos o tres debajo. No se si te sorprenderias si te digo que de todos los individuos que las ven, de todas las clases sociales, los que prestan mayor atencion, y en relidad les gusta mas, son los negros de clase muy humilde, y me parece que es porque estos individuos viven en condiciones extremas y estan obligados y acostumbrados a adaptarse a nuevas ideas constantemente para sobrevivir. No es ignorancia; hay algo en sus cerebros que les empuja a mirarlas porque al parecer ven algo que les puede beneficiar. En otras palabras, estan acostumbrados a no tener miedo a aprender algo porque no tienen mucho que perder, y eso facilita el entendimiento y la adaptacion a nuevas realidades.

Imagen

RC: Estoy muy de acuerdo con lo que decis. Ese debate que tuvimos con Matthew Collings en el blog en ingles es la viva prueba de lo que decis. Hay como un ojo erudito acostumbrado a rechazar y gustar lo que sabe que le gusta que no puede criticar. Ahora yendo a la primer parte de tu respuesta, debo confesar que mi primer impresion de tu obra fue: ‘What the fuck?”. Sin embargo, cuanto mas la miro me pasa lo que describis. Es un lenguaje muy ‘de vanguardias’ (Picasso, Miro, De la Vega, Simbolistas, Munch) y al mismo tiempo hay mucho de lo que yo llamaria ‘dimension intermedia de lo visual’. Me refiero a este paisaje que me parece fascinante y posiblemente es mi obra favorita.

Imagen

FG: El titulo de esta obra es “El Rey Iceberg”. En ella el cielo no se parece a un cielo normal de los que se ven en los polos. La nieve o el glaciar tampoco. Ni siquiera el iceberg o el mar. Nada se parece a nada. Todo esta en conflicto con lo que uno se puede imaginar cuando piensa en un paisaje similar. Incluso dentro del cuadro, el Rey Iceberg parece estar en conflicto con su alrededor donde el mar aparece agitado y el glaciar se transforma en una ola gigante. Todo lo que le rodea esta en movimiento excepto el mismo, viendose entre resignado y dormido, como si el iceberg aceptase su destino flotante y las consecuentes  circunstancias. Por el contrario (ironia), a mi me parece que el cuadro, al mismo tiempo, da una sensacion de confianza al simbolizar el iceberg un unico punto de estabilidad; como si el iceberg hubiera estado en lugres parecidos, o hubiera visto situaciones similares a lo largo de muchos anyos, porque para ello, el es El Rey, y ha de soportar la erosion de las circunstancias con dignidad e integridad, sabiendo que todo tiene un principio y un fin.

Los artistas que mencionas han influido en my obra, aunque veo (en mi caso particular) que para representar al mundo actual se hace necesario no limitarse a una tendecia determinada. El mundo, hoy en dia es muy complejo y tiene muchas variantes. Yo intento explicarlo como puedo, y para ello cambio los temas y en cierto modo los estilos, en cada cuadro (aunque utilizo la misma pintura, trazos gruesos y poco delicados, contraste, uso del color negro para puntualizar, etc.etc.) Es una decision voluntaria, basada en adapatarse a las circunstancias para reflejar lo que sucede hoy en dia. Algunos me dicen en la galeria que soy una especie de “compendium de artistas”, indicando que no “he madurado lo suficiente” y no tengo un estilo especial, cuando en realidad lo que sucede es que no me da la gana de reducir mi expresion artistica a un solo modelo. Esto lo llevo haciendo desde hace unos 30 anyos y es precisamente lo que mantiene mi interes por la pintura. Es un acto completamente consciente y (en mi caso) necesario para aglutinar muchos aspectos en un solo cuadro, y aunque a veces podria escoger un cierto modelo caracteristico, el que termina mandando es la idea y la intencion del cuadro en un momento determinado. Yo reflejo el “what the fuck?” lo mejor que puedo, como un padre al que presta atencion a sus hijos que tienen gustos diferentes, y si para ello he de “perder” credibilidad como artista, pues que asi sea… Mi vanguardia es reflejar la incompresion, dandola un sentido al evitar caer en el mas alla de mundos frivolos y puramente decorativos, o para separarme de lo expresado por otros ya que lo considero una redundancia y no estoy como para perder el tiempo desdoblandome al intentar entender una realidad exigente y necesitada de nuevas ideas, porque en mi opinion, no hay futuro sin comprender el presente.

RG: Al no adoptar un estilo ‘Fernando Gomez’ vos corres del eje de discusión un cierto modo de plantear la autoría. Hay algo de auto-disolución en esa estrategia. Pero eso permite pasar de la superficie de la ‘marca’ y entrar a algo más profundo y conectivo. Hay algo muy vital en renunciar a pegar una piña en la cara del espectador y decir : ‘Este soy yo! Recordalo!’ El problema es que el modernismo y al autonomia estetica de la pintura como objeto viene atado a la idea de autoria.

FG: Me parace que das en el clavo. Ahora bien, si intentamos clasificar la obra para adquirir una cierta perspectiva y comprenderla mejor, veo necesario adentrarnos en aguas profundas (quizas abismales). Si el pasado (modernismo) lo representamos con el numero “1”, y el presente (post-post lo que sea) lo representamos con el numero “0”, dejando las tendencias que quedan entremedias como fracciones, el cuadro (en mi opinion) ocuparia el lugar “0”. Y te dire porque.

Como bien dices, en el cuadro solo se pueden ver formas derivadas de un cierto modernismo con la intencion de “pegar un cachetazo de aparente mal gusto para pedir el espacio suficiente que permita que a vista de la obra se transforme en vision” porque necesitaba anclar la obra en el “pasado” para verla desde una base estetica donde el que la mire pueda reclinarse y comprenderla mejor. El problema esta en que la obra, sin ser abstracta, solo refleja “formas” incoherentes (aparentemente); en otras palabras, la obra no solo te transporta a un lugar muy remoto fisicamente, sino que te lleva al limite del expresionismo, y es justamente ahi donde se transforma en concepto. Lo paradojico es que ese concepto reducido a la simple idea post minimalista no existe en el cuadro, sino que la obra, vista como objeto, lo rechaza para situarlo voluntariamente en el espectador. En otras palabras, la obra-objeto simplifica “lo estetico-conceptual” de tal manera que lo hace desaparecer (0) y obliga al que la mira a ser consciente y utilizar su mente para ensamblar todas esas curvas y lineas en algo logico y coherente.

RC:  Es como que te corres del medio para que el espectador saque sus propias conclusiones. Un tipo valiente, mi amigo Fernando Gomez….AVILA

NO SEAS ‘COLECCION OXENFORD’, SUBSCRIBITE AL BLOG

Do NOT follow this link or you will be banned from the site!