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Rodrigo: En este trabajo, vos transformas el oro en una alegoria de las narrativas (personales y colectivas) siendo pasadas y transformandose al tiempo que se homogenizan porque todo parece tener la misma forma y volver al mismo lugar. El anillo cuelga pero los cuencos tienen una gran inestabilidad. Otra cosa que podria decir es que el cuenco tiene un lugar importante en la tradicion del pensamiento universal (antiguedad griega) en Diogenes quien se dio cuenta de su propia falta de humildad al pretender abandonar todos los bienes de este mundo excepto un cuenco. Digo esto porque el agua se puede agarrar con las manos y vos al cuenco incluso le pones oro. Qué pensas al respecto?

Alejandro: Pienso que el agua solo se puede tocar y retener por un mínimo tiempo en las manos hasta que se escurre. Podríamos decir que el cuenco vendría a ser una abstracción histórica/cultural sobre la retención y el líquido la vida. Pero a la vez el agua, si no se escurre, es absorbida ó se puede evaporar.

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Cada objeto y cada material que utilizo poseen una carga alegórica (en mi mundo es literal). El oro lo vengo utilizando como representación de varias cosas y en diferentes estados. Es un material (ó al menos su misma representación) que puede ser visto de tantas maneras como personas ó países existan.

Cada uno de los doce cuencos de este trabajo son únicos y fueron modelados a mano, por lo cual de lejos tienen la misma forma sin embargo ninguno es igual a los demás. Cada uno fue hecho con la misma cantidad de barro. Los cuencos pueden ser personas, tuberías enlazadas, formas de pensar, bocas, anos  .. el oro puede ser cualquier tipo de tradición, una idea, un virus, mierda, miedos, violencia, cariños .. en fin.. herencias.

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El trabajo muestra los rastros de un ejercicio que consistió en pasar ese liquido (oro) de cuenco en cuenco cuando el barro aún estaba crudo.. fue como proponerle a los materiales jugar a eso.. al boca en boca, a transmitirse algo, y ver cuánto de ese líquido iban absorbiendo y cuánto líquido dejaban pasar al siguiente cuenco. El resultado esta acción fue una absorción seguida de una transferencia del material cada vez menor. Como el agua cuando se escurre de las manos.

Al mismo tiempo, al proponer un montaje circular las personas podían recorrer el objeto en ambos sentidos, viendo como los cuencos se vaciaban o como se llenaban.

La fragilidad que ves en los cuencos la veo análoga a los ejercicios sobre la memoria y las tradiciones y el cómo operar según nuestra propia voluntad a pesar de las demostraciones devastadoras de la naturaleza.

Naturaleza / Voluntad = Degeneración / Engeneración.

Rodrigo: Es interesante que largamos de esta forma la entrevista porque acabo de leer un articulo de Benjamin Buchloch llamado ‘Allegorical Procedures: Appropiation and Montage in Contemporary Art’ en donde historiza esta emergencia de lo alegorico como significado escondido en el objeto en la prohibicion de expresarse publicamente durante la primera guerra mundial en Alemania y en concreto con Grosz y Schwitters. En ese momento uno podia entender que el mensaje esté cifrado en el objeto (ya que tenía que ser, como decirlo, ‘codificado’) pero lo que me incomoda de la poetica que me estás planteando es que para apreciar tu obra debería tenerte al lado explicandomela. Digo todo esto porque yo visualmente no se cuánto oro hay aquī y allá y que significa el oro para vos. Ese es un dato que vos guardas a cuatro llaves y distribuís convenientemente.

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Alejandro: Te entiendo. Este es un asunto clave para mi. Mi presencia física y mi relato en las instalaciones como parte constitutiva de la obra (o no). Es una necesidad o un límite en el que vengo pensando bastante y que aún no se bien cómo resolverlo. Cada trabajo que vengo desarrollando, sobretodo las instalaciones, tienen su propio relato y, detrás de cada uno de ellos, mucha investigación. A veces lo pensé resolver a través de algún texto que acompañe, he invitado a algunas personas a escribir para que de alguna manera pudiera existir otra probabilidad de acceso a ciertas características puntuales del trabajo. Otra opción ha sido la de realizar visitas guiadas, etc.

Al mismo tiempo pienso que mi trabajo tiene varias capas de entendimiento (y de disfrute también porque no). Digamos que se puede acceder desde varios lados no lineales pero sí, en mi intención propongo varios niveles lineales de lecturas. Últimamente estuve utilizando recursos de cierta ambientación que hacían de cada espacio algo particular y algo difícil de registrar al mismo tiempo (iluminación, aromas, silencios).

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En mi trabajo “Decantar” (el de las zarandas alineadas – cita/burla a D. Judd) estoy intentando de alguna manera proponer eso. Pensar sobre los niveles en el decantar de la información, en el acceso a las ideas y a las personas, a los filtros que proponemos para poder ser o no accesibles. De lo más tosco hacia lo imperceptible/fino/agudo.. Tal vez genere algún sistema (reclamativo de atención) casi hermético para contarlo en persona y que sólo se acerque quien tenga que hacerlo. Tirar redes y ver quien se acerca y quien quiera saber más puede leer el texto y, si quiere más, viene a una visita guiada, y sino me contacta. Por ahora lo resuelvo así. A la vez siento que todo está ahí, todo. Sin embargo entiendo que mi trabajo siempre (y cada vez más) se aproxima a algo performático. Hasta mi muestra Caracol uno entraba al espacio y encontraba una serie de pistas y trabajos como si alguien o alguienes hubiesen estado trabajando hasta recién, mi cuerpo acaba de irse o está en un recreo de trabajo. Mi trabajo cada vez me pide más presencia. Estoy en ese momento bisagra me parece.

Igual ojo que en las fotos del trabajo de los cuencos (“Ejercicio sobre la tras-dicción”) tal vez no pueda verse/entenderse la imagen del oro de cuenco en cuenco. Con respecto al oro… lo pienso de muchas maneras. En Portugal (2010- “Cuando los días están nublados, no todo lo que brilla es oro”) recién estallada la crisis europea lo utilicé para trabajar cierta idea de “contraconquista” en la que iba transmutando objetos de barro (escombros) en oro y  los iba a vender a precio de oro mismo (hola Manzoni), pero ese oro era falso, podía ser purpurina, dorado a la hoja chino, etc.. entonces utilicé la idea de oro para venderle “espejitos de colores” y llevarme su dinero.

Personalmente reconozco cierta tendencia a utilizar el oro en relación a algo religioso/sagrado … hablando de tradiciones.. pero también se que simbólicamente es un término/material muy significativo que puedo utilizar como medio. Mi oro es la miel sin dudas.

Rodrigo: Hay una obra tuya que me gusta particularmente y es la que presentaste en ArteBa 10 “No todo. Lo que brilla es oro”. Me gusta porque resume todas las inestabilidades y precariedades del medio de la instalacion pero las transforma en una de sus fortalezas. La pila de barro es algo solido (como los lingotes) pero se puede romper en cualquier momento y colapsar. Hay también un guiño, como vos decis, al minimalismo. Esta es una obra efimera? Toda tu obra parece girar en torno de la relación entre lo efímero y lo permanente, lo artístico y lo artesanal, lo ‘clase baja’ y lo alto. Que pensás de lo que digo?

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Alejandro: Bueno, decime si arteBA (al menos) no es un poco eso..un lugar de encuentro de clases, un espacio de intercambio entre los que tienen dinero y nosotros los artistas (pobres) jajjaa .. es un cruce de mundos casi absurdo.

En “No todo. Lo que brilla es oro” planteo repensar un poco los niveles (nuevamente) de importancia respecto de los materiales (oro-barro) tanto como de los soportes (obra-feria).

De lejos se veía una pila de lingotes de barro desparejos, hechos a mano, sobre un pallet dorado.. de lejos parecía tener más importancia la columna/base que el busto, sin embargo al acercarte te dabas cuenta de que el pallet era solo eso, un pallet dorado a la hoja, madera express camuflada y que los lingotes de adobe eran la parte importante del trabajo (robusta y funcional). Y en esto podemos pensar también al respecto de las fragilidades.. con esos lingotes de adobe se pudo haber construido un espacio habitable.

De alguna manera fué proponer una pregunta y al mismo tiempo reivindicar el trabajo del artista, meter mano, trabajar y que por mas soporte brillante que quiera sostener la obra, lo importante es la obra en si misma. Que detrás de los stands de una feria blanca hay mucha gente trabajando fuerte y pensando.

En un país donde pareciera ser que el artista no vive de sus ventas sino de su visibilidad, los espacios expositivos cobran una dimensión inusual. Por eso se entiende claramente esa histeria generalizada en torno de la feria donde lo importante es “estar”, como sea pero estar. Ese espacio de legitimación es tan fuerte que ya es suficiente participar de eso, la obra en muchísimos casos pasa a ser algo secundario y funcional.

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Rodrigo: Todo muy lindo pero si queres con vos tengo el mismo problema que tengo con, por dar dos ejemplos, la obra de Romina Orazi, Charly Herrera y Adrian Villar Rojas. La capacidad alegórica es tan amplia que si yo pongo (con mi capacidad de verso) un palo de escoba en el medio de ArteBA te puedo estar hablando horas y horas de clases sociales, minimalismo, formalismo, limpieza, etc. Eso me convierte en mejor artista que vos? Eso me convierte en artista? Digo esto porque a mi me parece que lo que haces es artesanía con un gran verso alrededor y tu reclamo artistico está en el giro poetico de la interpretación que VOS le das y no el espectador.

Alejandro: Entiendo lo que puede sugerirte ver los trabajos via e-mail.. es una particularidad de lo que hago.. la verdad es que, al menos mis trabajos (sobretodo instalaciones), si o si precisan presencia del espectador y estoy trabajando para hacerme cargo de todo lo propuesto en cada lugar. Por eso este tema del relato oral, del estar o no estar, de incluir textos, etc.

La capacidad alegórica de este trabajo en particular no es tan amplia, tiene diferentes niveles de lecturas pero la idea es la misma y está plasmada. Es eso y es eso ahí y no en otro lado (por esto tal vez se pueda considerar este objeto como específico).

A la vez, muchas veces me pasa que los trabajos sugieren diferentes cosas a diferentes personas, pero nunca son erradas o lejanas a las ideas regentes .. las devoluciones sobre mi trabajo siempre, de una u otra manera, giran al rededor de lo propuesto. Entonces yo puedo pretender dar cierta información o pistas.. que el trabajo de alguna manera amplifica. Existe mímesis entre mi propia idea/propuesta y la devolución del espectador.

Los límites entre las artesanías y el arte pueden ser difusos y eso que no apelo a que lo mio es arte por estar en una feria.. y tampoco pienso que algo es mayor o menor por ser arte o artesanía. Tal vez los materiales y su manipulación puedan llevarte a ver el objeto como artesanía pero a la vez, por ejemplo, mis trabajos no pueden funcionar en una feria de artesanías como tal. Confío en los materiales que manipulo.. pienso que son mi manera de entender cómo funcionan muchos sistemas, de cómo modelar y demostrar cosas y, desde ese encuentro entre lo tosco y lo frágil (como bien decís) poder sacar conclusiones. Son mi medio.

Me parece que la idea detrás de este trabajo por ejemplo es clara y los materiales fueron elegidos en contraste con cierta (otra) escenografía que se monta en un pabellón para hacer una feria.

De alguna manera esto está relacionado a lo que veníamos viendo sobre el “estar”. Una cosa es lo que puedo decirte sobre los trabajos y otra es estar ahi. Mi trabajo precisa presencia. Es esto de la complejidad de registrar los trabajos para que puedan recorrerse de la mejor manera posible a la distancia. Incluso con este objeto de arteBA pasaba algo similar al respecto del lejos y el cerca, del transitar, acercarse y mirarlo.

No creo que haya mejores o peores artistas, diferencio entre los que trabajan a conciencia y quieren crecer en su proceso y quienes no. También soy consciente y trabajo pensando que la obra nunca está terminada sino que cada trabajo es una fotografía de una manera de pensar en ese momento de ejecución que puede mejorar, cambiar, etc.

Ojala un día puedas recorrer alguno de mis trabajos y después hablemos.

Rodrigo: Que significa ‘recorrer algunos de tus trabajos”?

Alejandro: .. como te decía, a veces es fundamental ver los trabajos en vivo. Sobretodo las instalaciones porque hay mucha información que se pierde en el registro fotográfico o de vídeo. Hay obras que tranquilamente pueden verse en una pantalla ó en un catálogo, hay otras que no, sobretodo cuando es una instalación. Ahí dispongo los objetos teniendo en cuenta el recorrido del cuerpo del espectador. Más allá de los olores y sonidos que te decía, hay situaciones físicas, (de posturas por ejemplo) que considero al momento de armar esas composiciones.

Un site specific necesita ser visto/recorrido, no queda otra.

El trabajo empieza desde el momento en que uno investiga la carga histórica que posee, sus características simbólicas, el recorrido que el espacio mismo dispone, etc. de aquí se plantean los materiales por ejemplo. también uno se sitúa en esa conversación al respecto de qué tiene uno para aportar, decir, pensar, criticar, etc..

Una vez definidos los trabajos se van componiendo diferentes situaciones, ubicando los objetos y armando una propuesta así sea que uno proponga un recorrido caótico mismo.

En Cetus (Rio de Janeiro 2009) por ejemplo la instalación proponían un recorrido a modo de zoom empezando desde un mural que daba una primera pista para adentrarse paso a paso/trabajo a trabajo en lo que luego sería un desenlace. Como si fuera un relato.

PB. http://www.youtube.com/watch?v=gg4VGmM4hek

1er piso: http://www.youtube.com/watch?v=mSiQWo3QqA4

En Arquivo Carpe Diem (Palacio Pombal, Lisboa 2010) el primer trabajo que propuse fué unos cueros que funcionaban como mapas de navegación del resto de los trabajos armados en otros espacios del palacio. Estos mapas, a través de referencias (números y letras) entrelazaban los objetos y obras de los otros espacios. Los cueros, la navegación, etc.. tenía que ver con referencias históricas portuguesas y del palacio mismo. Los trabajos estaban dispuestos en diferentes espacios de la ex-cocina y cada sistema propuesto estaba en relación a diferentes sistemas de conservación de alimentos utilizados por los primeros moradores/navegantes del país.

http://www.youtube.com/watch?v=1x2Y6OCVSg0

(cerca de los trabajos se podía sentir aún el olor a cuero de chancho quemado por el pirógrafo)

Por ejemplo en este este espacio se hacían los ahumados originalmente y también tenían una cámara de conservas. http://www.youtube.com/watch?v=usDKye9GhsI

Incluso en el trabajo de los cuencos pasaba algo similar, tenía que ver con el recorrido que la sala proponía (en sentido de las agujas del reloj) y la disposición de los cuencos de lleno a vacío en sentido contrario.

A la vez, los trabajos también generan algo respecto de lo sensorial táctil.

En “Caracol” había algo relacionado con el silencio del espacio, los dos tipos de iluminación respecto a los dos tipos de líneas de trabajos propuestos, los olores, las sombras, los líquidos (miel y oxido) cayendo entre los embudos de porcelana y la postura al acercarse a ver los detalles de la pagoda del final, etc

http://www.youtube.com/watch?v=WQgCp3hjgJU

Todo este verrso para decirte que es fundamental ver los trabajos en persona y mostrar lo difícil de dar cuenta de todo a través de las palabras, las imágenes y los videos.. hay que verlos, hay que estar ahi.

Rodrigo: Yo entiendo a medias lo que decís porque cuando decís: ‘En Cetus (Rio de Janeiro 2009) por ejemplo la instalación proponían un recorrido a modo de zoom empezando desde un mural que daba una primera pista para adentrarse paso a paso/trabajo a trabajo en lo que luego sería un desenlace. Como si fuera un relato’. Hay estás incorporando la palabra relato para inyectar un valor agregado (digamos) artistico a algo que puede plantearse para cualquier cosa. Yo puedo decir que los escalones en la puerta de mi casa plantean un recorrido a modo ascendente que genera un relato que va desde estar afuera hasta mi bienvenida, de lo publico a lo privado, de lo abstracto a lo concreto, de lo frio a lo calentito, me entendés?

Alejandro: interesante..  en esa muestra este “relato” se iba construyendo, no solamente a través de una cuestión arquitectónica como decís sino también (y sobretodo) por pistas visuales en donde, por ejemplo, se iban presentando los materiales de manera progresiva.. esta estructura que estaba en el segundo piso iba apareciendo poco a poco. Primero a través de algún dibujo en una mesa, después la imagen de la estructura transferida sobre azulejos, después parte de la estructura misma y al final se encontraba todo el objeto.

Pero lo más importante es haber mostrado un proceso investigativo. Está relacionado a algo lúdico. Lo mismo vas a poder verlo en la mesa de entrada de Caracol (mamba) donde muestro un proceso de pensamiento, lúdico, de izquierda a derecha en este caso. Es como ir desglosando los materiales y exponiendo los procesos ordenados.. eso propone y construye un relato con el circular del espectador..

Rodrigo: Creo que seguimos dando vuelta en circulos. Palabras como ‘relato’, ‘pistas’, ‘ludico’, ‘proceso de pensamiento’, ‘proceso investigativo’…. Cual es el relato? A que llevan las pistas? Cual es el pensamiento? De que se trata tu investigacion? Me da la impresion que tendés a ilustrar tu propia jerga como una serie de objetos dispersos en el espacio…. me equivoco?

Alejandro: Seguramente sea porque no aclaré que esta muestra Cetus era una exposición en la que se “contaba el relato” que daba cuenta de .. una investigación “pseudo-paleontológica” que terminó con el hallazgo de esa estructura enterrada en el barrio de Santa Teresa (Rio).. entonces uso palabras como relato, proceso investigativo, etc.. porque cada estación de trabajo, cada obra, cada mesa funcionaban como eso.. mostraban un proceso de investigación que poco a poco iban mostrando la metodología utilizada para encontrar esa estructura que aparece al final del recorrido expuesta (la estructura roja colgada = Cetus).

Que quilombo.  Me seguís?

Rodrigo: Yo te sigo perfectamente pero la creo que sos el ejemplo (Romina Orazi fue el otro en estos A Calzon Quitado) de los problemas que plantea ‘la instalacion’ como medio porque con cada pregunta que te hago vos te vas replegando mas y mas sobre un lenguaje que es relevante y conoces solo vos. Es decir… cuando yo veo los videos de Cetus, no solo, según vos, tengo que estar presente sino ademas haber leido que es una investigación pseudo no se cuanto, que es un relato, que es un proceso investigativo. Y la pregunta que me hago es: no sera que todo tu esfuerzo creativo se orienta a crear las condiciones de apreciación de tu obra, en lugar de la producción de la obra en si misma. El espectador siempre termina como con culpa por no saber, hacer, estar o pensar lo suficiente y creo que  con unos cacharros dorados suspendidos en un anillo es un poco injusto.

to be continued

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