DSC_6466 copy

Rodrigo: En qué material trabajas y cómo llegaste a él?

Leonardo Trombetta: Rodrigo,el material es una pasta refractaria que sirve para la cerámica raku (técnica japonesa del siglo 16), que pasa por varios pasos hasta llegar a lo que se ve en las fotos, una vez  las esculturas bizcochadas,  se meten en un horno que llega a los 980 grados para luego retirar las piezas que quedan al rojo vivo. Es necesario estar vestido como astronauta por el calor y retirar las piezas con unas pinzas (etapa gloriosa, ya que cualquier pieza al rojo vivo es por lo menos maravillosa,  )  y apoyar las mismas en viruta que se quema instantáneamente produciendo un fuego de colores fulgurantes, luego ponerle una tapa para que un humo bien negro se meta en las piezas y produzca ese negro carbón de algunas y en las otras, las esmaltadas, se reflejan esos  blancos que parecen porcelana o esos dorados,  este ritual  (es mi actitud frente  a la quema )es cansador ya que conlleva cierto peligro por  trabajar con fuego  durante varias horas, hay que estar muy atento a no equivocarse cosa que yo hago seguido , es por eso que me queme varias veces y también rompí algunas piezas,  hay una suerte de violencia en el proceso igualmente estoy asistido por gente muy experimentada.

DSC_6510 copy

Como llegue al material  es una parte esencial  en mi trabajo, después de probar mucho por mucho tiempo, la unica constante era el modelado y la arcilla .En Uruguay  comencé a hacer los primeros pasos mas firmes y concretos para llegar a este presente,  consistía en usar la   tierra del lugar (una arcilla fantástica ), la trabajaba  in situ, la   naturaleza   fue mi taller (las cárcavas de rocha ),  que es como un mini valle de la luna que llega hasta el mar y  las piezas volvían al lugar en los sitios que me interesaban, pasaban semanas lunas y lluvias  hasta que quedaban totalmente mimetizadas,  se disolvía algo de mi en la tierra, mientras las fotografiaba.

Después de eso profundice en las transformaciones del material, llámalo alquimia  y fue en bs as en la Carcova  donde se  especializaban en cerámica raku que emprendí mi aprendizaje.

DSC_6481 copy

Rodrigo: Hay un colega tuyo que hizo el A Calzon Quitado conmigo, llamado Jose Maria Huidobro que, al ver tu obra, reaccionó rápida y negativamente. Me pareció interesante porque ambos ponen énfasis en el proceso y buscan que ‘el objeto terminado’ sea un objeto que parece no haber sido nunca acabado. Creo entender sus criticas desde el punto de vista que tu objeto, si bien conceptual, nunca deja de ser estetizante y hasta uno podría decir que obedece a un tipo de escultura que no lo es. Uno podría decir que vos, en realidad, sos un ceramista. Que podes decir al respecto?

IMG_0530 web-4 copy

Leonardo: La reacción de mi colega, la espero después de que termine la entrevista.El proceso   es para mi vital.  Por otro lado nunca evalué como no acabadas  las piezas, sin embargo recojo el guante  y me entusiasma repensarlo,  en el modelado soy minucioso y detallista ,     luego en los fuegos de la segunda instancia  las piezas sufren una serie de embates  ( mínimo control, partes que se pierden)  que hacen que lo que estuvo terminado no lo sea en su  resolución final, además es verdad que esas formas figurativas, en ese  no acabado que decís, me sugieran otras formas, entrando en un sinfín o continuidad de surgimiento  y así  algo  que empezó desde un centro conceptual se torne en algo preponderantemente perceptual   “presencia que  no tiene significado y al mismo tiempo se revela” ( Pier Paolo Pasolini) en el caso de la mesa . Además entiendo que todo esta en formación por lo menos yo ahora con esta entrevista.

Hay piezas  que juzgo terminadas  y que aislo.Me queda grande el mote de ceramista ya que no tengo tanto conocimiento ,solo se de raku y uso muy pocos esmaltes  instintivamente, por ahora voy a seguir así.Creo positivo lo de estetizante  que surge en la técnica del quemado y hace que lo trágico de mi trabajo  en convivencia con esa técnica  me sea funcional.

DSC_6438 copy 2

Rodrigo: Dejame que complemente mi teoria de la ‘incompletitud’ con una mirada mas iconografica. Hay algo de 2001 Odisea del Espacio y tambien algo arqueologico/etnografico en el modo en el que vos presentas a tus obras (sobre una mesa). Hay un dialogo (desde afuera) con el mundo del arte en el que el objeto es enmarcado en el proceso mismo de su señalamiento. Digo esto porque si bien te presentas como un escultor (que hace honor al proceso de escultura o ceramismo), también hay mucho de ‘ready made’ en estos objetos. Me refiero a la inclusion del error, de lo feo, de lo ‘no artistico”. Sin embargo, hay algunas obras, que son mis favoritas, en las que comienza a haber una narrativa, o mejor dicho, una danza entre las figuras. Esta danza es una danza de un apareamiento que oscila entre la lucha y el sexo oral (que es, por definicion, improductivo o…infertil ya que se acaba afuera del agujero). Hablame de tu obra desde este lugar de la alegoria, la narración y la iconografia.

Leonardo: Es muy acertado la idea de odisea en el espacio, ese rectángulo o hueso que atraviesa transversalmente los tiempos, ….“pre historia  y espacio primitivo que no remite, nostálgicos, a un pasado cronológico si no al entorno molecular de los devenires, siempre contemporáneo a las diversas historias y culturas que brotan, como grumos.” Juan Salzano.

DSC_6471 copy

Para ser narrativo tengo que colocarme como el primero de la manada, no por ser macho alfa si no por ser lo que mas conozco, así que toda alegoría e iconografía  proviene de mi mundo personal, que  a la vez surge de un inconsciente colectivo, o hechizo de  realidad.

Lo de ready made no lo llego a entender del todo. Pretendo en la colocación de las piezas en la mesa y con el espacio vacío que hay entre ellas, surja un oxigeno particular y se cuele en ese aire una especie de lenguaje análogo, una telepatía entre las piezas pero con un enunciado oculto prehistórico un mantra incomprensible , un pedimento .

Paso a explicar la otra parte,  la mujer en donde el cráneo de calavera hace de casco , surge después de una experiencia en la que quede totalmente paralizado, no fue un ataque de pánico, si no fuerzas o posesión, en donde algo no miraba  no escuchaba  o no sentía por mi ,  a partir de ahí , primero quise hacer un autorretrato de eso mas un mi, pero luego lo fui extetizando para llevarlo a  algo mas general e hice una mujer hermosa representado esa posesión.  Así funciona  mayormente mi alegoría o iconografía.

La figuras danzantes  son parte de una serie que la llamo “donde estemos juntos será nuestro ahogar” son figuras que representan una duda incontenible , en que la fuerza de  su fiereza sexual impotente, no es interrumpida por los cuerpos que se atraviesan ( carne , huesos) y se confunden, la libido esta  puesta en la fiereza de la dominación, de allí lo infértil, paramo inconsciente entre ellas, que puede ser además  tan natural, también hay en esa lucha una complicidad de olvido , digamos que en el modelado  puedo hacer esta danza sobrenatural, que es una manera de choque  entre  cuerpos dominados.

DSC_6495 copy

Rodrigo. Debo confesar que te escucho y es como escuchar a un chico tomando la comunion y rezando el Padre Nuestro. Hay algo profundamente naif en el uso tan grandilocuente de las palabras. Lo que me estas contando desde un punto de vista narrativo e iconografico oscila entre un tipo pasado de ayahuasca que transformo una infancia llena de ciencia ficcion en una suerte de teodicea de la vida. Mi impresion es que no tenes la mas minima idea de lo que estas hablando.

Leonardo: Si soy inocente y a veces siento que mi obra excede mi discurso, tu pregunta me pareció tan compleja y halagadora ,que me fui un poco a la mierda, releyendo mi respuesta me doy cuenta que hay párrafos que están llenos de palabras poéticas y sin contenido como decís. Me quede en mi y perdí el interlocutor  Vamos de nuevo , trabajo en la respuesta y te la mando…

(un día despues….)

DSC_6499 copy

Leonardo: Encuentro un paralelo con la simbología de Odisea 2001 porque creo que el hombre simio al recibir como obsequio el intelecto instantáneamente lo usa como arma de dominación.

En el film, cuando el hueso elegido, del primer hombre poseído por la razón,  mata a otro , y luego es arrojado al cielo para que se transforme en una nave espacial,  me lleva al pensamiento sobre nuestra evolución hacia lo externo con mucha sofisticación y no hay esa misma dedicación hacia lo interior y se produce el desfasaje.

La elección de presentar las piezas  como piezas de arqueología seria lo que entiendo  como el dialogo desde afuera con el mundo del arte y mi intención de encuentro con el espectador. La mesa como soporte horizontal me remite a la razón y las piezas  al tiempo psicológico, y  entonces me resulta funcional para armar el entramado de figuras que podría ser la alegoría  de la consecuencia del estancamiento interior y ancestral de nuestra historia como raza.

La inclusión de lo feo de lo no artístico, es una manera de mostrar la violencia del proceso. Me apasiona la aparición del azar que se desprende de los restos o las roturas provocados por el fuego .Esta situación la relaciono a su vez con la experiencia de Uruguay en las que las piezas eran desechas por la naturaleza y el paso del tiempo , en este caso la idea de resto o rotura intenta establecer un dialogo análogo entre las esculturas entre si y las esculturas y el tiempo.

En el caso de la danza que mencionas, si, se pone en juego lo sexual e improductivo,  con tal morbo, que la violencia de este acto hace atravesar sobrenaturalmente los órganos.

En esta serie me base en imágenes de lucha grecorromana  y las 2 figuras eran tan violentas en sus contorsiones que se hacían casi una , Tenia dos figuras y mi mano modelaba, me es difícil expresar esta acción con palabras,  lo sexual apareció espontáneamente,  pero no como acto sexual vital sino como el triunfo del instinto de muerte.

DSC_6490 copy

Rodrigo: Podríamos decir entonces que el proceso de cocción inconclusa es en donde tu obra adquiere valor artistico ya que se convierte (por decisión tuya) en una suerte de alegoria del desdoblamiento primigenio. En otras palabras, para vos las acciones humanas son mecánicas, brutales y vitales. El problema que surge en ese punto es el distanciamiento que vos pones al colocar a los objetos en una mesa ya que el espectador pasa a representar ‘lo civilizado’ y el objeto artistico simboliza ‘lo incivilizable’. Es como que tenes que negar la naturaleza humana para afirmarla.

Leonardo: Creo que el valor artisitico de mi obra pasa mas por el modelado y quizás por la intención poética o narrativa además del proceso. El  proceso de cocción no es inconcluso  pero  pasan accidentes, cosa que aprendi a celebrar. Al principio me enfurecia cuando se rompían las esculturas o no llegaba al color exacto en que me las imaginaba. Las piezas rotas  son detalles minuciosos de manos, pies o cabezas casi siempre miniaturas, que entiendo como acentos,  o reliquias del proceso, que le dan fuerza a la alegoría. Para mi  en mi obra  los accidentes son vitales y enérgicos . Sin embargo, la gran mayoría de las esculturas están completas y terminadas y quizás lo corroído que les da el fuego a algunas y su tipo de modelado es lo que te da sensación de inconcluso.

Llevo  muchas veces al taller mi disconformidad como persona  y como persona social, que es  mayormente  la  fuerza generadora  de mi oficio, no puedo pretender que el espectador sienta algo de todo eso , aunque mi intensión asi lo sea.

Sin dudas tengo que negar la naturaleza humana para afirmarla, y creo que me pasa  tambien en todo el proceso.

La mesa tiene que ver con lo exterior y con la razón como cascara , y es por eso que  genera esa distancia que decís, las esculturas son lo interior primitivo, lo brutal y esta fue mi manera de que dialogue la obra con  el espectador, pero esto sigue en proceso ya que tengo otras ideas de presentación.

Las esculturas fueron hechas una por una sin un correlato preconcebido entre ellas, la alegoría apareció  después de la observación y  la convivencia en mi taller,  entendí que se unían en una lógica. La mesa apareció por ultimo como soporte.

Rodrigo: Hay algo que interesa discutir con vos porque ese aspecto ‘calcinado’ y las poses de las figuras muchas veces aceptan, lo que podriamos, llamar la interrupción abrupta de una narrativa. Esto es lo que mas me interesa de tus imagenes ya que es como si el Volcan Vesuvio (en la antigua Pompeya) hubiera sorprendido a parejas teniendo una forma de sexo muy moderna, supongo. Como ves la relación de la temporalidad de la cocción con la de la narrativa que de pronto se interrumpe en tus imagenes?

DSC_6430 copy

Leonardo: Que acertado lo que decís ya que la técnica raku, nace en el siglo 16 gracias a  la erupción de  un volcán, su lava  quemo las piezas que los antiguos artesanos no pudieron rescatar e hizo que surgieran los accidentes particulares de esta técnica.

La interrupción  abrupta de la quema  que sufren las piezas en su cocción,  sucede cuando las saco  repentinamente del  horno  (980 grados rojo vivo) a temperatura ambiente, cortando la  cocción habitual que seria de una disminución paulatina de la temperatura dentro del horno.

Las piezas que comentas,  podrían sugerir un sexo con un orgasmo sin limites corporales,  en donde el cuerpo no es frontera y el atravesamiento de los miembros,  en este caso no los reproductivos,   hacen que este encuentro sexual sea morboso y placentero. La mecanicidad  brutal del deseo en  su funcionamiento, hace nula u olvida la posibilidad latente de muerte. Es ahí que interrumpo esta mecánica, para dejar en evidencia el acto petrificándolo.

Do NOT follow this link or you will be banned from the site!