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Gabriela Galati: Vamos de lo general a lo particular. La Transvanguardia fue un movimiento con integrantes estables -Francesco Clemente, Nicola De Maria, Sandro Chia, Mimmo Paladino et toi- estructurado y conceptualizado por un crítico, Achille Bonito Oliva. Actualmente, en cambio, vemos que hay más que nada artistas “solitarios”, esa idea de “movimiento” tan precisa es difícil de encontrar. Todas la conceptualizaciones son hechas a posteriori, come es el caso de Niolas Bourriaud y la estética relacional. En tu caso el movimiento fue una cosa positiva?

Enzo Cucchi: Nadie pertenecía a ningún movimiento, el movimiento fue una simple definición de Bonito Oliva, que tomó lo que estaba en el aire, y pensó de acuñar esa definición.

GG: Entonces también fue a posteriori?

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EC: Absolutamente si. No nos conocíamos entre nosotros, ninguno de nosotros tenia nada que ver con el así llamado movimiento, ni nos encontrábamos en relación con ningún otro artista. Yo no conocía ningún artista. Sobre todo sostengo que es claro ahora, pero que también era ya claro en aquél momento. Sólo que en ese momento no interesaba esto porque había una idea, una voluntad de construir una idea de poder: la típica historia. En aquél momento era claro que los trabajos de cada uno eran muy distintos, individualidades absolutamente opuestas en ciertos casos. Reveer esto después de treinta años es como maquillarse, como para el carnaval, conmemorar. La sensación que tengo es que la conmemoraciòn sea más interesante, e interesa sobre todo a la gente que continúa a hacer de cuenta que estudia y analiza estas cosas, en realidad no quiere estudiar, quieren que las cosas queden como están. A esta gente no le interesa lo que digo, le interesa continuamente confirmar que existe la Transavanguardia, le interesa todo eso, no es que le interese mi trabajo. Este es el verdadero problema, más allá de todo. Es muy simple, es como cuando ves una cosa: ves un color en el aire, una nube llena de lluvia, pero algunos quieren vedere sólo eso, eso que no existe.

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Todo esto tiene que ver con el lenguaje. Baudrillard pobrecito, era una persona que generó curiosidad e intrigó a muchos de nosotros, pero sabés por qué? Cuando Baudrillard escribió el libro América (2000) la cosa que me causaba más curiosidad era que encontraba algún amigo americano artista que decía “Sabés, si yo no hubiera leído América no sería artista”; yo lo miraba, “estás hablando en serio? estás loco!” Era algo que me divertía mucho, imaginate si uno se hace artista porque lee América de Baudrillard?, es la locura total. Olvidate, son cosas lindas, me imagino que a Baudrillard justamente le gustase mucho algo así, pero también estaba preparando un producto, como los artistas. Ese material de Baudrillard, si lo estudiás bien, si se quiere profundizar su estudio, es simplemente un escrito del 1700, sintetizado en algunos casos, para sacar de allí un pequeño producto, muy pequeño, y hay algunos en USA que se lo compran, “Baudrillard, ohhhhh” Pero cuánta filosofía hay en Europa? Europa en el 1700 era todo el mundo, este es el problema. Pero está bien así, es divertido: “Si no hubiera leído Baudrillard no hubiera sido artista” Me explicás que carajo quiere decir?

GG: Clarisimo.

No se si estás de acuerdo, pero…

EC: Yo estoy siempre de acuerdo porque no me importa un cuerno de nada.

(risas)

GG: …si estas de acuerdo con la idea…

EC: Los artistas no tienen que tener ideas, si hay una idea, el artista está pensando en esa idea, no? Entonces no está siendo artista, está pensando.

GG: Perfecto, me respondiste a la pregunta que no te hice todavía.

EC: Un artista comienza a trabajar cuando deja de pensar en una idea, es decir, con la cabeza vacía, si no, no trabaja. De otro modo, continuás a pensar. Si te duele la muela, qué hacés? Pensás todo el tiempo en la muela. Entonces? Por qué para un artista debería ser diferente?

GG: Perfecto, me respondiste perfectamente la pregunta, que apuntaba a esta llamémosla oposición entre la pintura y el arte conceptual en cual, claro, se piensa, pero de la expresividad, de una marca del artista, de su alma, si queremos ser más románticos, se ve poco, al menos a simple vista. Personalmente tengo la percepción, al menos desde que vivo en Italia, a través de las galerías que conozco mejor, que algunas galerías, sobre todo aquellas más jóvenes, snobean la pintura. Pensás que es así? Es porque no la entienden? Porque es más fácil aferrar conceptos?

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EC: Odian la pintura. Absolutamente. Es un estado de maldad interior, abren galerías porque odian la pintura, es casi una forma de autodestrucción. Cuando una persona no se siente bien consigo misma, es claro que se inventa cualquier cosa con tal de hacerse mal, y también de intentar hacer el mal a otros, de romper las pelotas, hacer mal después de todo es imposible. Entonces todo este proceso de tantos años, esta actitud conceptual, actitud conceptual? La pintura es la cosa más conceptual que existe. El primer cuadro conceptual, el más importante, es la La flagelación de Cristo (ca. 1444-1470) de Piero della Francesca, hay un complot en un palacio, uno que habla adentro, uno que habla afuera, más conceptual que eso? Ahora, estas criaturas humanas de las cuales hablás son personas que simplemente han decidido odiar el arte, y por lo tanto, se ocupan de arte. Si querés te hago una lista infinita, particularmente de mujeres, esta es lo cosa más trágica. Por ejemplo, en Milán hay una persona en particular…bah, las diversas Lia Rummas, ella es quizá la más joven, sabés, las que se visten todas igual, las viste, no? Tienen un target. Todas estas galerías nacen e incluyen en sus programas artistas que tienen todos el mismo e idéntico problema. Después, el arte conceptual americano es otra historia, tiene una forma heroica, se puede decir absolutamente que es un arte decorativo, que es distinto, no hay nada más decorativo que el arte conceptual, o minimal, americano. Carl Andre, por ejemplo, un excelente artista, es decir excelente, una criatura humana, humanamente, no? Una especie de héroe, quiere ser un héroe, pero la naturaleza se lo come, porque él dice “Sabés, no puedo hacer una muestra si primero no encuentro el espacio y no interactúo con él” qué quiere decir? Esto sucedió siempre, nuestro primer Renacimiento, que cuerno son todos lo palacios decorado con frescos? Vos te diste cuenta, se dan cuenta ustedes los jóvenes? Cómo es posible que sea vuestra generación la que tiene esta actitud maligna, de no sentir más placer en ver una cosa que tiene que ver con el arte, o peor, odiarla. No es posible dejar esta gente en circulación, no hay ni un poco de ironía entre ustedes,  si no te interesa esto, no te ocupes, no podés pensar en ocupar un lugar, un lugar en el arte, si no te interesa el arte. Es decir, no hablo de vos, claramente, no es que lo autorices vos, sino el mundo; a estos jóvenes no es que los autoriza una señora, es verdaderamente patético.

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GG: No, no, para mí fue bastante claro este rechazo de la pintura que me llamaba mucho la atención, con más razón estando en Italia, no me lo esperaba. Comencé a notarlo cuando llegué aquí, me pasó de encontrar coleccionistas, hasta artistas que me decían “No, tanto yo la pintura no la entiendo”, lo cual me parecía raro, qué quiere decir?

EC: Pero te das cuenta? el objeto primario…Si mirás eso (señala un cuadro), y te gusta, pensás que no se encuentra allí Brancusi? Estamos todos locos.

GG: En cuanto a tu obra, es bastante obvio, quizá aún más que en otros artistas, que hay un imaginario, casi una iconografía que se repite, motivos que se repiten constantemente a lo largo del tiempo. Me podés decir algo? Funciona como automatismo, o como algo que te llega?Por ejemplo el motivo que tu hijo cuando estuve en tu estudio en Roma llamó “catedrales”…

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EC: Simplemente pienso que un artista conoce poquísimas cosas, como todos en el fondo, entonces es claro que se debe concentrar fuertemente porque no tiene tiempo que perder, es por eso que adopta cosas que conoce profundamente, en serio, porque el tema no es importante. La manzana de Cézanne, no es la manzana que comés, es otra cosa, pero él adopta la manzana porque tiene que formalizar con la manzana, sabés bien qué es lo que hace con esa obra. En cuanto a mi, el tema, el asunto, que no me interesa demasiado, es un atajo, uso la cosa más veloz, que me permite sacarme de encima el problema del tema lo antes posible, entonces uso lo que conozco, lo que ya realicé para dejar una marca, para organizar el espacio, el volumen, para re-organizar cómo es posible re-imaginar una imagen, para mi, que no puedo prescindir de esto. Me debo maravillar, pero como no hay cosas que me maravillen, al estudio voy solo para mí, para maravillarme, es normal, hago un cuadro fundamentalmente para mí. Entonces parto de las cosas que conozco, que es lo más fácil, no es importante. Si en los collares de abajo (se refiere a un cuadro en el piso inferior de la galería) en vez de collares meto una pera, qué cambia?

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GG: En esta muestra hay pinturas nuevas,que no fueron mostradas nunca antes, y hay dos esculturas que tienen una cantidad de años, aproximadamente 25, que tampoco fueron expuesta antes.

EC: Y que entonces son la cosa más joven en absoluto porque fueron hechas 25 años atrás, por lo tanto son más viejas, pero son más jóvenes. Es normal, lamentablemente son más jóvenes ellas, tienen menos historia…

Y así invitamos a todos a ver la muestra, y basta de discutirla.

Gabriela Galati es Directora de la FL Gallery de Milan y Docente en la Nuova Accademia di Belli Arti.

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